Weyes Blood – And In The Darkness, Hearts Aglow (2022)

 

Ph: Neil Krug

Como en una novela, Weyes Blood retoma la historia de Titanic Rising (2019) con la secuela de su trilogía conceptual, justo donde quedó pausada en el mundo pre-pandémico. Si el primer tomo navegaba las aguas de lo incierto, viendo desde la superficie cómo se asomaba la punta del iceberg que hundiría al barco catastróficamente, tres años más tarde en And In The Darkness, Hearts Aglow ésta náufraga toma aire y coraje para sumergirse en lo profundo del océano y descubrir el impacto emocional del choque.

 La ruptura amorosa es el eje temático del nuevo disco pero, en un contexto tan fragmentado, la experiencia personal pasa a fundirse con otras cuestiones, ganando terreno universal. Mientras la visión socio-ecológica cambiante y extraña quedaba plasmada en Titanic Rising, en éste último trabajo la procesión va por dentro.

'Si no hay más nada que pueda decir sobre lo externo -porque ahora todos saben qué está pasando y cómo se siente- entonces hay que ir a lo interno'', menciona la líder del grupo Natalie Mering en una entrevista con FLOOD. Llegar al centro de las emociones a veces requiere despojo y con la música ocurre lo mismo. Nuevamente el productor Jonathan Rado (Foxygen) comandó el viaje pero en una dirección distinta: lejos del barroquismo y la densidad, acá privilegió la introspección depurada. Para captar ese espíritu íntimo la banda grabó en simultáneo y en cinta desde los Eastwest Studios, un espacio con mística propia que albergó a artistas como Everly Brothers, Mamas & The Papas o Elvis, además de ser la casa donde los Beach Boys dejaron huella con Pet Sounds (1966).

 Ya de arranque, en el corte setentoso ''It's not just me, it's everybody'' Mering confiesa sentirse invisible, convencida que no es la única en experimentarlo (''Sentada en esta fiesta preguntándome si alguien me conoce y ve realmente quién soy. Hace mucho que me sentí realmente conocida''). Mientras arroja el pronóstico actual (''Viviendo en el despertar de cambios agobiantes, todos nos convertimos en extraños incluso para nosotros mismos''), en el video baila en un set de filmación con un smartphone que se va cobrando vidas y alimentando de almas, un guiño más cínico y actual al entretenimiento inocente de Gene Kelly y el ratón Jerry en Anchors Aweigh.

 

Estas canciones ensoñadoras y melancólicas cuentan una historia simple y lineal que va sumando elementos que la complejizan, por lo que no es extraño que maduren con las escuchas. ''Children of the Empire'', o lo que podría ser un himno de Brian Wilson era Surf's Up, tiene ese poder y es un canto urgente al trono que recibirán los herederos, donde apremia la unión y acción por preservar las ruinas a futuro.

El folk psicodélico ''Grapevine'', al igual que ''Twin Flame'', es donde la dinámica afectiva se manifiesta en forma más obvia. La primera es la ruta de encuentro de dos amantes que, por narcicismo, terminan yendo en sentido contrario (''Si un hombre no puede ver su sombra, puede tapar tu sol todo el día. Puede hacerte pequeña, tiene el poder de sacarte su amor'').  Mientras que ''Twin Flame'', donde se introduce novedosamente la textura de una batería electrónica, ironiza sobre la idea de las almas gemelas y la fecha de expiración de las relaciones cuando la balanza se inclina en favor de un solo lado (''ahora nuestras horas se sienten tan contadas y pequeñas, sosteniendo el amor solo por mantenerlo'').

Dos años de encierro privados de contacto erosionaron los vínculos humanos con el afuera, borrando los límites temporales y dejando consecuencias de las que hoy estamos saliendo sin entender demasiado hacia donde avanzar. La pandemia interfirió en la salud mental, la soledad y el acelere capitalista del que habla la canción folk-pop ''The Worst Is Done''.

 ''Estoy segura que muchas generaciones a lo largo de la historia resistieron cataclismos así, pero éste se siente realmente abstracto y novedoso porque hay mucha superposición tecnológica y climática, aunque no haya nada nuevo bajo el sol. Lo peor ya fue hecho pero se va a volver todavía más abstracto y retorcido. Pese a que ya no estemos más en la era oscura lidiando con la plaga, vamos a tener que lidiar con otras cosas''  apunta la artista en otra entrevista con FADER en función al tema. Algo que también desarrolla en ''Hearts Aglow'', anhelando encontrar amor genuino y reconexión con los espacios tranquilos entre tanto ruido y tumulto.

''Creo que había una esperanza de que en la post-pandemia todos íbamos a ser más unidos y a reconstruir este mundo nuevo. Desafortunadamente, nos inclinamos aún más en nuestros teléfonos y la gente que no debería haberse vuelto más rica transformó exponencialmente su riqueza. Es un pequeño insulto a las heridas personales y creo que eso también está perpetuando esta sensación de malestar'' completa.

 Como sugiere el título del disco, ''en la oscuridad los corazones brillan'' y aunque se sienta el apagón, la luz tenue de un faro promete a lo lejos un puerto de anclaje. Uno de estos momentos superlativos e iluminados llega con ''God Turn Me Into a Flower'', que de tan etérea flota (a la par de la angelical Julee Cruise). Basada en el mito de Narciso, Natalie cobra noción de la belleza y valor humano y alienta a seguir conservando la suavidad en los pétalos, aún cuando las amenazas del mundo nos hacen crecer espinas y el espejo devuelve distorsiones. Su voz frágil se fortalece, como una flor que empuja los límites hasta romper el cristal que la rodea para salir al mundo natural, elevada por los sintetizadores y sampleos ambientales de Oneothrix Point Never.

La última chispa de optimismo aparece al cierre del disco introducida por un piano en ''A Given Thing'', un final abierto donde queda la página en blanco para el próximo capítulo: un amor sano que no se limite ni implique esfuerzo, sino que fluya como fuerza natural entre dos polos alineados en la misma frecuencia. Algo recíproco que quizás la humanidad necesite en estos tiempos para volver a empatizar y conectar con lo esencial.  

Si, citando la película Titanic, ''el corazón de una mujer es un océano profundo lleno de secretos'', el disco es una buena apertura para conocerlos. Natalie Mering cerró un capítulo personal lanzando esta joya al océano y en una inmensidad de resonancias siniestras donde puede quedar perdida, el diamante brilla lo suficiente como para que cualquiera que bucee debajo de lo obvio pueda verlo. En la oscuridad y desilusión que vivimos, solo una persona con luz y una llama viva de esperanza por cambiar las cosas es capaz de  crear sentido y transformar lo doloroso en poético y lo íntimo en una experiencia compartida.

Ph: Neil Krug

Carta a los oyentes con la que acompañó al disco:

Para archivarlo entre:

Weyes Blood - Titanic Rising (2019)
Stevie Nicks - Bella Donna (1981) / Wild Heart (1983)
Fleetwood Mac - Rumours (1977)
Bob Dylan - Blood on the tracks (1975)
George Harrison – Living in the material world (1973)
Harry Nilsson – A Little Touch of Schmilsson In The Night (1973)
The Beach Boys –  Surf’s Up (1971)
Carpenters –  Close To You (1970) / A Song For You (1972) / Horizon (1975)
Joni Mitchell – Blue (1971)
Judee Sill – Heart Food (1973)
Joan Baez - Diamonds & Rust (1975)
Laura Nyro – Eli and the Thirteenth Confession (1968)
Enya – Watermark (1988)
Julee Cruise - Floating into the night (1989)
The Last Shadow Puppets -  Everything you’vecome to expect (2016)
Beck - Sea Change (2002)
Father John Misty – Pure Comedy  (2017) / God's Favorite Customer (2018) / Chloe and The Next 20th Century (2022)
Beach House – Bloom (2012) / Depression Cherry (2015)
Julia Holter – Have you in my wilderness (2015)
Sharon Van Etten - Are we there? (2014)
Julia Jacklin - Crushing (2019)
Brian Eno – Another Green World (1975)
Julie London - Julie is her name (1955)
Roy Orbison - Lonely & Blue (1961)

Ph: Neil Krug

REVIEW: WEYES BLOOD - AND IN THE DARKNESS, HEARTS AGLOW

Ph: Neil Krug

As if it was a novel, Weyes Blood resumed Titanic Rising's story with the second installment of a conceptual trilogy, picking up the threads just where pre-pandemic world left them off. If the first volume sailed throught the waves of uncertainty watching the tip of the iceberg that would sink the ship catastrophycally, two years later on the new record this outcast takes breath and courage to immerse deep down the ocean to discover the emotional impact the crash has left. 

The main theme of And In The Darkness, Hearts Aglow is breakup but in such a desintegrated context that personal experience is mixed with other issues, gaining universal sense and meaning. While the socio-ecological point of view of an ever changing strange world was embodied on Titanic Rising, this one digs on turmoil happening internally.

''If there’s nothing more I can say about the external—’cause now everybody knows what’s happening and how it feels—...then we gotta go internal'' says leader of the group Natalie Mering in an interview with FLOOD Magazine. 

Getting to the core of emotions sometimes means getting rid of things, and so does happen with music. Once again, co-producer Jonathan Rado (Foxygen) guided the musical trip but in a whole new direction: far from baroque arrangements and density, this time the artistic search privileged a debugged introspection. To catch that intimate spirit, the band recorded altogether on analog tape in californian Eastwest Studios, a place that owned its own mystique since it housed artists as Everly Brothers, Mamas & The Papas, Elvis or even The Beach Boys, that left a huge mark with the acclaimed Pet Sounds (1966).

From the very beginning, on 70's single ''It's not just me, it's everybody'' Mering opens up feeling invisible, knowing she's not the only one to experience that (''Sitting at this party wondering if anyone knows me, really sees who I am Oh, it's been so long since I felt really known''). While she forecasts nowadays scenery (''Living in the wake of overwhelming changes we've all become strangers, even to ourselves''), in the video she dances around on a filming set with a smartphone that takes lives and feeds from human souls, a far more cynical and updated twist of entertainment to the innocent choreography between Gene Kelly & Jerry Mouse in Anchors Aweigh. 

This dreamy and melancholic songs tell a simple lineal story that slowly adds elements evolving into a more complex one, so it wouldn't be weird if they grow inside with several listenings. ''Children of the Empire'', or what could have been a Brian Wilson's anthem from Surf's Up era, has such power and is an urgent song that calls for unity and action to preserve the ruines for the future heirs generation. 
Psychedelic folk ''Grapevine'' as well as ''Twin Flame'' are two cuts where relationships dynamics manifest in more obvious ways, The first one is the meeting point of two lovers that, due to narcisism, end up passing each other by in opposite sense of the freeway (''If a man can't see his shadow, he can block your sun all day. He can make you small, he has the power to take his love away'')
Menwhile ''Twin Flame'', which introduces an newly electronic drum pattern as texture, ironizes around the soulmate concept and the expiration date relationships have when weight scale leans favouring one side (''And now our hours feel so numbered and small, holding love for the keeping'').

Two years of isolation deprived of human contact eroded personal bonds and the relationship with the outside world, blurring temporal limits and leaving scars we are trying to heal these days, not knowing clearly where we are going. Pandemic interferred in mental health, loneliness and a faster growth of capitalism, some topics that folk-pop song ''The Worst Is Done'' deals with.

''I’m sure so many generations throughout history have withstood this kind of cataclysm, but this one feels really abstract and new because there’s so much technological and climate overlap. It feels completely new, but there’s nothing new under the sun. So yeah, the worst is done, but it’s just gonna keep getting more abstract and gnarly. Even though we’re not in the dark age anymore, dealing with the plague, we’re gonna deal with something else'' points the artist in another interview with FADER Magazine. A similar theme is explored in 50's doo-wop balladry ''Hearts Aglow'', wondering how to find genuine love and reconnection with quiet spaces among so much noise and tumult.

''I think there was this hope that, post-pandemic, we’d all get back together and really rebuild this new world. And I think, unfortunately, we leaned into our phones even more, and the people that shouldn’t have gotten more rich just got exponentially more rich. It’s a little insult to injury, and I think that’s also perpetuating this feeling of malaise.” states Mering on Paste Mag.

As suggested by the album's title, in the darkness, hearts aglow. Though you might feel a blackout right now, there's a dim light coming from a distant lighthouse that pledges for a safe harbor. One of those superlative and illuminate moments comes with ''God Turn me Into a Flower'', such an ethereal song that floats on with Julee Cruise's angelic spirit. Based on Narcissus myth, Natalie acknowledges human beauty and encourages us to keep our petals softness, even when this rough and threatening world makes us grow spines and the reflection returns distorted images. Her fragile voice strengthens like a flower pushing limits of the glass surrounding her until she breaks it to go out free into the natural world, elevated by Oneothrix Point Never's synths and ambient samplers. 
   

Last spark of optimism comes at the last track of the record seconded by a piano on ''A Given Thing'', an open ending that leaves blank page for the next episode: a healthy love that don't limitate and require effort, flowing as a natural force between people vibing in the same frequency. Something reciprocal that humanity might need to gain empathy and reconnect with essential things.

Quoting Titanic film, if ''a woman's heart is a deep ocean of secrets'', this record is a great opening to get to know them. Natalie Mering has concluded a personal chapter of her life throwing this jewel to the ocean and, in an immensity of ominous resonance where it might get lost, the diamond shines brightly enough for anyone that dives under the obvious surface to see it. In obscure and disillusioned times as we live in, only an enlighted person with a vivid flame to change things is capable of creating meaning and poetry out of pain and transforming a private and intimate experience into a shared one.